主要是从认识电影和论电影艺术，原创部分不是特别的多
不过，视听学就是那么些东西
这个，有兴趣的看一看
镜头
镜头是构成电影的基本单位
通常意义上，摄像机的开与关就构成了一个镜头
从某种意义上说，镜头较多的影片会觉得赏心悦目（当然有一个限度）
镜头较少的影片会相对乏味。
镜头的重要差别之一，是取景的范围，不同的摄影师可以对相同的景物采取不同的取景范围，而形成不同的效果
根据取景的范围，镜头分为大全景，全景，全身镜头，中景，特写，大特写
下面一一说明
大全景，又称基调镜头，多用来拍摄外景，以显示现场的大部分。如果大全景中出现人物的话，那只是小小的一个点。这种镜头在史诗片，西部片，战争片，还有日本武士片中比较常见。
全景，所谓全景是电影中最不好解释的一个名词，全景的范围大约是剧场到舞台的取景范围
一般镜头中有一个人的全身。
中景的人物到膝盖或者腰，可分为二人中，三人中，等等。这是影片中最常用的镜头
有一个比较经典的模式，称为肩上反打模式。即两个人交谈的对话中，常出现一个人正面，一个人侧面的双人肩上镜头和其中侧面的人的单人中景的交替。
特写，对相对不算大的主题的拍摄与放大，比喻脸部特写，通常具有象征意义
大特写，多为了交待影片中的某个局部的线索，是更大的放大，比如一个眼睛的特写
此外，附带说明一点，镜头之间的常用转换技巧是深焦距转换，通过同一个镜头内的分层技术，是观众的目光从一个层次转向另一个层次，这个以后会有更详细的讲解

角度
摄影机的拍摄角度通常是用来表现作者的意图
角度的大小通常会与感情色彩的强烈成正比
通常现实主义导演多采用平视的角度，因为他们和正常人的观看方式一样，这个通常是最常用的拍摄方式，而形式主义导演为了表现实质会经常采用变形镜头和极端的角度，对拍摄物加以破坏，已达到一种更大的真实，这种真实被称为象征性的真实。
现实主义导演会常常希望观众忘记摄影机的存在，而形式主义导演则会使观众注意这一点
常见的拍摄角度有5种：鸟瞰，俯拍，平视，仰拍，倾斜
通常角度越大，就会越显得引人注目。
鸟瞰：直接在上空拍摄，因为这个角度是我们生活中几乎难以看到的角度，会让我们对事物常常难以辨认，因此这种角度在影片中不多，但是，这种角度具有极强的表现力，会让观众有俯瞰众生的感觉，当主题涉及到命运的时候，会使用这种角度
俯拍：摄影机再升降机或是某个高处拍摄，通常给观众的是一个场景的总体的印象，而不会让人有关于命运前途之类的联想。俯拍镜头不易用来表现速度，但是，通常对于表现沉闷和人物的自卑感非常有效
平视：这是最客观的镜头，不带有主观色彩。通常是影片中最多的镜头
小津安二郎非常喜欢用平视，他认为是用特殊的角度会产生倾向性，平视才会使摄影机保持客观而不过分热情
仰拍：产生了与俯拍相反的效果，增加高度，增加画面的垂直感，使身材不高的演员变高
我拍的那个片子（蓝蓝，猫，猫姐姐还有桥梁看过的）最后的跳楼戏，因为那个塔只有3层高，所以全部用的是仰拍镜头（虽然拍得很差）
仰拍镜头还是和制造混乱，比如在人很少的情况下拍出拥挤的效果，同时，在拍人物的时候使用仰拍会让人感到尊敬和高大
倾斜角度：拍摄的后故意把摄影机不放在平面上，这样的话，我们看到的成片中，会出现地平线是斜的的感觉，让人觉得很不稳定，在拍摄主观镜头的时候比较多见，这是不太常用的手法，但是拍暴力场面有时候需要

明暗
一部电影的制作过程中，灯光是非常重要的一个环节，照明的焦点，用光的强度可以在同样的强度下形成完全不同的效果。因才电影的每个镜头的变换，都需要重新的布光
对于影片来说，不同的影片根据主题的不同会有不同的基调。
基调分为两种：高调和低调
高调的光强通常比较明亮，在音乐片和喜剧片多采用
低调影片比较阴暗，模糊不清，在恐怖片和神秘片中常见到
还有一种高反差低调，用光生硬，带有浓重的黑色条纹，在悲剧和情节剧中常常出现
通常的影片会喜欢用黑暗代表罪恶，光明代表安定，这是传统的象征意义，但有时候，有些导演故意反其道而行之，比如希区可克，他喜欢把最激烈的片段放在强光下进行
对于灯光，最重要的是布光的方位
顶光和底光会使玻璃等透明物体变得非常的漂亮，这在珠宝店我们可以深有体会，但是罪与人物的拍摄，这两种关都会极大的丑化人物，在恐怖片或是丑化人物的时候通常会用到
侧光使会把人拍的最美的一种光，它通常会突出人物面部的立体感，显得很有魅力
侧逆光和逆光会产生剪影的效果，能够产生柔化和虚无飘渺的气氛，爱情片中多见
正面光会使面部的立体感消失，但是也会最大限度的遮掩面部的缺陷，写真照片就多用了这种手法，后强光达到正面的反光板加侧面的弱光就形成了明星照的效果
有时候，导演会使用过渡曝光，使画面泛白，这会形成梦幻的效果，是一种很夸张的手法

彩色
彩色在影片中是一种不易觉察的因素。带有强烈的感情因素，能渲染气氛，但是不被观众所发现。通常人们留意的更多的是线条的组合
总体来说，冷色调（蓝，紫，绿）代表了安宁，孤独，庄严，并起到淡化影像的作用
暖色调（黄，红，橙）代表了不安，暴力，刺激，又会使影像突出
红色是一个值得提到的颜色，少量的红色会有醒目和希望的感觉（辛德勒的名单里面的那个女孩子）但是大面积的红色会让人联想到情欲（安东尼奥你的红色沙漠，罗拉快跑，一个字头的诞生等等）
另一方面，红色还会有警告，危险和死亡即将来临的感觉，这个在海报中更加的常见

透镜
长焦距：指焦点在一个很窄的平面上的的焦距，这对突出主体起到了非常好的效果
长焦距的变焦是转移一个画面内观众视线的常用手法
同时长焦距还可以削弱不同景深之间的距离感，使影像扁平，这个可以让人产生跑不过来
短焦距：又称广角镜头，他的焦点很宽，可以使镜头内的前后景都变得非常的清楚
广角镜头的边缘会产生严重的变形，这在丑化人物的时候也是一种重要的手段
另一方面，和长焦相反，短焦会使两个物体之间的距离拉远，突出物体离去或是靠近的速度感，这一技巧常用来表现力量，优势和冷酷

场面调度来自法语（mise-en-scène），是戏剧专用名词，意思是放在场景中。指在某一特定表演场地上的视觉因素
画框
电影中各个影像都被全在画框之内，这是影片最基本的场面调度元素
但是，电影的画框和普通的画框不同的地方在于，电影中人物处于动态，因此在构图上一定要考虑连贯
画面的比例：目前，多数影片按以下的宽高比进行设置
即1:2.35和1：1.85，而电视片的拍摄采用的宽高比一般是3：4
在使用机器拍摄的过程中，常用的调节宽高比的方法是把宽高比调到最大的宽荧幕，然后在镜头的两侧贴纸的办法（也就是挡板）
在荧幕构图的方法中，挡板形成的暗影有时候可以和电影院的幕布，周围的墙连成一片黑暗，达到某些特殊的效果
电影画面有时候可以成为观众窥视角色的一面镜子，比如希区柯克的某些片子
而对于电影画面本身，在不同的位置，通常有着不同的意义
中央：注意的中心，也是大家公认的重要部分，但是，偶时候由于它太普遍了，因此也有了平淡无奇的作用
画面顶部：代表权力，威望和雄心，安置在这里的人可以说控制了下面的一切
在表现精神的时候，常常会借助一个宫殿或是山峰来显出一种神圣
而当一个缺乏吸引力的人在顶端的时候，却会出现可怕，危险的感觉
注：该结论只在画面中人物大小相近的时候才成立
画面底部：和顶部的意思正好相反，具有丛书，脆弱，无力的特性
通常在这里面的任务会受到顶端人物的控制
画面的左右：不容易被人注意的地方，通常那些不希望人们留意的角色场被安排在这个位置上
画面之外：有时候最重要的人物或者因素可以放在画面之外，特别是有关死亡，神秘的关键人物，可以达到强烈的效果
后景背后：这通常可以给观众带来疑问和不安，比如导演用一扇关闭的门来引起人们的好奇心。另一方面，配合深焦距会有很好的效果。
镜头之后：就是观众，这也是用来制造不安的效果的地方，在恐怖片中常见。比如一支枪深进画面，此时凶手其实在摄像机后面。

构图与设计
所谓构图指的是在画框内线条，色彩和被摄物的分布，通常情况下，没有一定的要求，只要合适就好。
不过，对于人的眼睛来说，一眼看到一个画面，不会看到整个画面的全部，而是会被引导的看到其中的一部分。这个过程的实现是靠导演采用的一个主要对比来完成的
在黑白片中，主要对比主要靠明暗来实现的；而在彩色片中，则是靠颜色等方式，某一个部分的颜色更突出或是更与众不同
在主要的东西看过之后，我们的眼睛看到的就是次要的东西，这是一种刻意的平衡，使观众不会因为只盯着一些东西而感到乏味，在导演的精心设计下，几乎每个人看一个画面都是有这一定的顺序的
形成优势的方法有很多，除了刚才说的利用颜色和明暗，画框也是常用的手法。在后景中布置一个画框，画框中的人物就是吸引视线的方向，比如影片《推手》，《公民凯恩》等
动静的结合也是制造优势的手法之一，在都是静态的画面中，移动的物体自然会吸引人的视线，而在动态中的静止也会达到同样的效果，在杜琪峰的枪战场面中常常会用这种手法，例如《暗战》。值得说一下的是，运动在远景不会给人强烈的吸引，但是一旦放在近景，就会产生强大的效果
视觉重点在某种程度上也和剧情发展联系的，一把手枪虽然很小，但是由于它的意义会让人觉得它很重要
当多个视觉重要的因素凑在一起的时候，人们会不知道该看什么，就会产生混乱的感觉，导演有时候会有意的有这种手法制造混乱，比如战争
构图的分量
在构图中，有一些基本的平衡原理需要掌握
第一， 构图的上半部比下半部重，因此影片的大多数东西都放在下半部，当地平线在中间的时候就会觉得天很低，会让人有不安的效果
第二， 单个的人或物会比一群人看起来重，因此影片中会常常把一个人从人群中拉出来，虽然数量上他们有差距，但是从构图上他们势均力敌
第三， 双元结构会产生稳定的效果，而三人镜头会产生互动的效果，圆形会让人有封闭，安全的感觉

空间间隔
空间间隔主要涉及的是在三维空间中，各个对象所分配到的具体空间的大小
在影片中从人们获得的空间的大小中就可以看出人们的社会关系。通常情况下，处于支配地位角色差不多总汇比别人占据较大的空间，另一方面主角也会占据较大的空间
在空间间隔中，最基本的应该是对于人物的空间间隔设定
常用的手法是利用各个角色之间的空间，形象的聚焦面，画面的重点区和演员与摄影机的方位来做文章
对于剧中人物有5种方位可以进行拍摄
全正面对摄影机镜头：最亲密的角度，观众通常会被引导至和人物统一立场，此时演员和观众的交流会大幅度的升温，可以说他已经把观众当成了知心人
3/4侧面：这是大多数导演最喜欢用的角度，这个角度可以表达高度亲密，又不想全正面那样投入。
侧面：这个角度给人的感觉是疏远。剧中人对于别人的注视毫不关心，只是沉浸在自己的思索中
4/1侧面：这个角度显得更加的陌生。用这个角度来表现人物的不友好或敌对情绪很合适，因为他已经把半个背给了我们，也就是拒绝
背面：这个镜头表示完全的疏远，因为我们看不到演员的表情，通常会让人有神秘的感觉

距离模式
在任何一个空间内，人物之间都会存在一个距离模式
第一， 亲密距离，指贴身到18英寸，这个距离表示暧昧，安慰，温存，对于陌生人进入这个领域会被认为冒犯，当不认识的人进入的时候，会被敌视，而在公共场合和别人保持亲密距离会被认为是低级趣味
第二， 私人距离指18英寸到4英尺。这种距离是对朋友和熟人的，亲人和家人不在此列，私人距离表现了亲密关系，但另一方面保持了两个独立的权利
第三， 社交距离指的是4英尺到12英尺，这种距离见于非正式的社交场合，这种距离通常是友好的，但是比私人距离要正式一些，因为有些时候，两个人的私人距离和亲密距离会被认为是无礼的。
第四， 公共距离是12英尺到25英尺，这个是比较正规而且分散的距离，通常表示很一般的感觉
在电影中，这些距离有的时候是按镜头和拍摄范围而定的，用心理的角度来说，镜头就是实体的距离，一般来说亲密距离可以用特写，私人距离类似于中景，社交距离相当于中景到全景，而公共距离相当于大全景。在情节中，某些不愉快的人物进入了特写就会让我们有嫌恶的感觉，就好像他侵犯了我们的空间
一般来说，摄影机离对象越远，我们的感情就越中立，相反越近，我们就会越投入
因此，卓别林说过“拍喜剧片用全景，拍悲剧片用特写”

对电影作场面调度的系统分析应包括的内容
1， 主体。首先引起我们注意的是什么，为什么
2， 光调。高调？低调？对比是否强烈，是否用了混合光
3， 镜头与拍摄的距离模式。如何取景，摄影机离现场有多远？
4， 角度。我们对拍摄对象是仰视还是俯视还是平视
5， 色彩的含义。画面主体的色彩是什么？是否有反差衬托？是否有色彩象征手法
6， 透镜、滤色镜、胶片。他们如何改变和述说所摄对象的
7， 次要对比。我们的眼睛在接受了画面主体后会看哪里
8， 密度。该影响中包含了多少视觉信息？其特征是十分明显还是比较明显，还是细节尽现
9， 构图。二度空间如何分割和组织，何谓潜在的设计
10，形态。开放形态还是封闭形态
11，画框。密还是疏，人物是不是可以自由的移动
12，景深。影像构成于几个平面上，前景和后景有没有影响中景
13，人物定位。人站在画面中的什么位置上，中央还是顶部还是底部还是边缘，为什么
14，表演位置。那个方向是演员看上去和镜头正面相对
15，角色距离。角色之间留有多大的空间